'The Geographic'

(Solo Show, Feb 2025)

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 " Each seed unit of my works plays all the various layers of the brush strokes, which construct a geographic surface in the end.” Sculptural painting connects the threads of the painting histories on the geographic structure. "
“The Geographic”(Feb1-Mar 13, 2025 @maybaumgallery)

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I tend to view different eras and works of art history as the history of surfaces. There were periods when surfaces were merely materials to be covered and painted. Yet, even then, a significant painting was believed to possess its own unique surface—shaped by divine inspiration or the artist's vision. At other times, surfaces became central to the work. They were seen as a battleground, a terrain where past ideas clashed or a material object forged against earlier conventions.

For me, my work no longer treats the surface as a mere vehicle for my personal concepts or as a material object to be shaped. I have come to realize, many times over, that the surfaces themselves draw me in. They have their own thoughts, actions, and vitality. They come alive. In the end, they take on the form of a kind of geographical collage. This collage might reflect the sudden growth of a towering tree, the rapid expansion of a new street, or even the unique gestures of a tall woman.

In other cases, my surfaces take the shape of a map, one that physically adapts from the past into the near future. It might evoke the abrupt downfall of a rising city or the vivid dreams realized by a tall woman. To emphasize the evolving nature of my work, I once referred to it as a "seed map."

 A map itself cannot change or grow, but my work exists in the active processes of adaptation and evolution. Ultimately, it becomes a living testament to the geographical form of the present.

-Laam Yi

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'Growing Surfaces'

-Making Seeing Equivalent to Touching

(Solo Showm Oct 2024)

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 The interplay and materiality of seeds on the canvas evokes a peculiar life presence, reminiscent of biological organisms that are still in growth. This interaction between the material elements and the essence of life creates an intriguing space on the surface of the artwork. This active space stimulates our sensory surroundings - hands, feet, mouth, nose, ears and eyes as the work becomes palpable.
Adopting a synesthetic quality, the artworks permit the occurrence of seeing and touching to intertwine. Our instinctive survival mechanisms activate and recognize certain qualities - vitality, movement and development that resonate with biological life, blurring the boundaries between visual perception and tactile sensation.

 

(“As for the Cezanne [Bather], it has a synesthetic quality that gives it great sensuality—it makes looking equivalent to touching. “ –Jasper Jones)

-Laam Yi

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- 'Tactile Hands'  (Solo Show Oct 2023)-

 

 Our hands, feet, mouth, ears, nose and eyes directly encounter the earth surfaces. Our tongue, body and maneuvering skills are the tactile means to experience the world beneath us.

 My works engage with the active surfaces we move through. They stimulate our hands, feet, mouth, nose, ears and eyes. Not only the physical surfaces of the work but also surrounding zone around the work become palpable. Visual perception remains limited here. Visual only perception dulls our desire to run, hit and interact with the tangible surfaces.

 The works I create using my own "seed system" embrace these tactile spaces, making them perceptible through our entire sensory system.

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​ 우리들의 손과 발, 입, 귀, 눈, 코는 지구의 표면에서 나오는 모든 것들과 직접 만납니다. 눈으로만, 시각을 통해 사물과 만나는 것은 즉각적이지만 또한 직접 만나고 부딪쳐서 느껴야만 알 수 있는 것들에 대한 갈망을 약하게 만듭니다. 뛰어가서 부딪쳐서 만져보는 경험을 미루게 합니다.

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제 작업은 만져보고 싶은 울퉁불퉁한 표면을 가집니다. 보는 것에 의존하기 위해 물러서게 만드는 게 아니라, 작업을 온몸으로 감싸안기 위해 빈 공간에 한발 더 들어서고 팔을 확 벌려 함께 숨을 쉬고자 합니다. 촉각적이며 껴안고 샆은 이 공간은, 손과 발, 귀와 코까지 뛰어들어서 만져보고 싶은 또다른 표면을 가지게 됩니다.

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​제 작업이 만들어내는 이 공간, 서로 다른 인간의 감각들이 뛰어놀고 진화하며 기록되는 그 표면들이 제 작업의 요점입니다. 세잔이 캔버스 표면에 만들어냈던 새로운 깊이, 프랭크 스텔라가 '공간에 그려낸 회화'라고 주장했던 입체를 떠올려 봅니다. 시드시스템의 작업들은 전혀 다른 방식의 깊이와 표면을 가지고 작품 앞의 공간을 감싸안는 셈입니다.

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Q1. Please introduce yourself, focusing on the theme of your work and your working method.

 

 My work explores sculptural canvas and tactile painting qualities, which illuminate how we perceive the world around us through our sensory system.

During my working process, I keep building up and breaking down painted surface waves using my own hand dyed "paper seed" units. These surfaces create a very subtle interplay between paper units and put forward the collective movement of the units on the canvas.

 These elements never remain static. The experience of the work keeps evolving in a quiet, consistent manner all day long, over days and weeks. In other words, the work might function as a kind of big tree to be able to share its growing up experience. This peculiar growing up presence keeps faithful to each poignant moment here/now without trying to make a monumental presence. 

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 제가 직접 만든 수많은 씨앗들이 만들어내는 언덕과 골의 흐름, 색과 명암의 대조적인 병치, 종이의 재질이 만드는 부드러운 반사가 어우러지면, 단단하고 매끄럽게 빛에 반응하는 견고한 물체가 만들어집니다. 이 견고하고 울퉁불퉁한 물체는 주변의 시시각각 변화에 따라 다른 모습들을 꺼내 놓습니다. 그 모습에 익숙해질만 하면 그동안 발견하지 못한 또다른 면모들을 슥 밀어냅니다. 이 물체는 과학적으로는 살아있을 수 없지만, 생물에 비슷한 살아있는 것이 되기를 꿈꿉니다. 

 

​이 작업은 또한 그 시간과 공간을 오랫동안 마주했던 사람을 감각적으로 테스트하는 장치일지 모릅니다. 마치 우리집 마당에 십년 동안 서있는 나무에서 그동안 나무가 자라난 모습뿐 아니라 내가 변해간 모습들이 스쳐가거나, 태어나서 열살이 된 우리집 강쥐가 그동안  십년의 기억들을 끊임없이 일깨우는 것처럼요. 저는 이 장치를 '감각의 씨앗'이라고 부르기도 합니다.    ​

 

작업 자체에 담겨 있는 형태나 이미지 자체로 더 완성도있는 무언가가 될 수 있다고 생각하지는

않습니다. 작품이 존재하고 있고 바라보는 그 순간과 장소에 예민하게 반응할 수 있다면, 그 지점/그 순간에 가장 충실한 하나의 생물체가 될 수 있다고 믿습니다.

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작품을 되돌아보면, 그전에 느끼지 못했던 미세한 변화들이 또다른 파도를 만들면서 작업 위를 이리저리 빠르게 가로지르고 있습니다. 한 순간의 모습에 익숙해지고 나면 또다시 나타나는 이 시각적인 변화와 속도감은, 결코 같은 곳에 계속 머물러 있지 않는 생물체의 특징이기도 합니다.   

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Q2. What is the most distinctive feature of your artwork that sets you apart from other artists?

 

My works tend to function as living architecture or an ever-growing tree, not as static artworks hung on the wall. The quality does not come from the infusion or representation of the artist's design or conceptual effort. This peculiar presence comes from the "biological liveness", "velocity", and its "growing up" quality of the work, which usually remain associated with living plants or animals.  It must be our instinctive sensory tools which can discern a few qualities, originally belonged to the live biological life, from the material relief made by an artist. 

 

 저의 작업들은 벽에 걸린 가만히 멈춰 있는 물체로서가 아니라 매일 조금씩 자라나는 나무처럼 또는 살아있는 구조물처럼 다가옵니다. 이런 특징들은 제가 하나하나 작업마다 그 특징들을 어떻게 불어넣을 것인가 따로 애쓴다고 성취할 수 있는 것은 아닙니다.

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제 작업들을 바라볼 때 느끼는 움직일 듯한 기대감이나 숨어있는 속도감, 이런 살아있는 것들과 연결된 특징들은, 우리의 훈련된 생존 감각들이 본능적으로 발견하는 것입니다. 하나의 착각이 아니라, ‘살아있는 것’의 어떤 요소들을 따로 분리해서 경험하게 되는 것이죠. 식물이나 동물을 볼 때 느낄 수 있는, 그 존재들이 가지고 있는 ‘살아있음’, ‘지금도 자라고 있는 듯함’에 가까운 여러가지 요소들이 제 작업에 중요한 셈입니다.

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-Laam Yi